Glam Rock –Alice Cooper y su Trilogía del Terror-

…y cómo este año más que “propósitos” he decidido fijarme “objetivos”, el primer post del año estará dedicado al Glam. No obstante, esta vez iniciaré con una breve nota fúnebre, la razón es el lamentable (y curiosamente muy publicitado) deceso de Ronald Frank Asheton, quien fungiera como guitarrista de los frenéticos Stooges hasta el último de sus días y fuera uno de los principales arquitectos del sonido “rasposo-proto-punk” que caracterizara muchas de las composiciones del Glam Rock, por todos eso “Requiescat In Pace” Ron Asheton.

Ronald Frank Asheton
R.I.P.
17/07/1948 – 06/01/2009

Así que para no desentonar con la honra a ese sonido “rasposo-proto-punk” proveniente del medio oeste de los E.U.A., el post Glamerón del día de hoy esta dedicado a una banda que encontró su sonido en el estruendoso frenesí prodigado por Asheton y The Stooges y si piensan que me refiero a Alice Cooper están completamente acertados… hey!!, no se apuren que muy pronto tendremos por aquí un post dedicado al Raw Power del “trasmutado” Iggy & The Stooges.

Bien… a manera de magra y apócrifa recapitulación, podemos decir que a inicios de la década de los setenta Alice Cooper era un acto completamente armado con una alineación sólida (Neal Smith en la batería, Dennis Dunaway en el bajo, Michael Bruce & Glen Buxton en las guitarras e imposible olvidar a Vincent Furnier a cargo de las vocales e interpretando el obscuro papel que lo llevaría a la gloria, Alice Cooper), sus presentaciones llenas de teatralidad ya daban mucho de que hablar, habían sido firmados por Frank Zappa para su sello Straight Records y ya contaban con dos discos bajo el brazo “Pretties For You” & “Easy Action”. Sin embargo, los discos de la banda habían obtenido escasas ventas y cuando Straight Records fue adquirida por Warner Bros. Records, varias alarmas empezaron a sonar, sobretodo porque Straight los había firmado por tan solo por tres discos… así que en pocas palabras, se trataba de la última oportunidad de la banda.

Alice Cooper – I’m Eighteen

Alice Cooper – I’m Eighteen (Mp3)
Alice Cooper – Caught In A Dream (Mp3)

A mediados de 1970, la banda había dejado la soleada California para reubicarse en el motorizado Detroit, a efecto de encontrar una mayor aceptación para su extravagante propuesta musical y alejarse de la saturada escena psicodélica de la costa oeste de los E.U.A., sería durante esta época que la banda empezaría a trabajar con el joven productor canadiense Bob Ezrin, quien seducido por los crudos sonidos del Garage y el Rock-Blues, apostaría por un sonido descarnado y casi Proto-Punk en las guitarras de Buxton & Bruce, además de permitir a la banda explotar con excelentes composiciones, que no eran otra cosa que el eco de la juventud perdida del medio oeste norteamericano… “I got a baby's brain and an old man's heart, took eighteen years to get this far, don't always know what I'm talkin' about, feels like I'm livin in the middle of doubt, Cause I'm Eighteen, I get confused every day, Eighteen, I just don't know what to say, Eighteen, I gotta get away, I'll go runnin in outer space!”… “Love It To Death” sería editado a principios de 1971, escalando con éxito hasta el número de 21 de los charts de Billboard, en gran parte gracias a la inclusión de canciones de estupenda manufactura rockera como “Ballad Of Dwight Fry”, “Caught In A Dream”, “Black Ju Ju” e himnos de nihilismo juvenil como “Is It My Body” & “I’m Eighteen”… el súbito triunfo comercial de “Love It To Death”, le permitió a la agrupación embarcarse en una extensa gira mundial llena de explosiones, teatralidad y horror, tenido como protagonista principal a Alice Cooper… Furnier, decidió que la “motivación dramática” de su andrógino personaje, era el ser el personaje más vil y ruin sobre la faz de la tierra, el cual sería castigado por sus vicios cada noche durante el show; Alice Cooper (el personaje) era un paria necrofilico-ofidiofilico que era desmembrado vivo cada una de sus presentaciones, particularmente, cuando la banda interpretaba la alucinante “Black Ju Ju”.

Alice Cooper – Black Ju Ju (Mp3)

“Touched by the toil and plunged into his arm, cursed through the night through eyes of alarm, a melody black flowed out of my breath, searching for death, but bodies need rest”.

Alice Cooper – Is It My Body (Mp3)
Alice Cooper – Ballad of Dwight Fry (Mp3)

La renovada intensidad y teatralidad en sus presentaciones, le gano una inusitada popularidad a la banda, la cual agotaba son facilidad las localidades, atrayendo a la más diversa de las audiencias… de entre los seguidores más “peculiares”, por no decir connotados de Alice Cooper se cuentan a Groucho Marx, Bob Dylan, David Bowie, John Lydon (alias Johnny Rotten) y al “divino” Salvador Dali… de hecho, cuentan las malas lenguas que sería durante una presentación de la gira Europea de “Killer”, que en la mente del Rey Camaleón se detonaría una estratagema que devendría en la creación del personaje más entrañable del Glam Rock!!.... pero no nos adelantemos, que todavía hay cosas por platicar.

Alice Cooper – Dead Babies (Mp3)
Alice Cooper – Killer (Mp3)

El inusitado éxito de su tercera opus, le valió a la banda ser fichados por Warner Bros. Records que “ni tardo, ni perezoso” incitó a la banda a entrar nuevamente al estudio de grabación, para finales de 1971 Alice Cooper lanzaba “Killer” que sería producido de nueva cuenta por Bob Ezrin y se constituirá en uno de los más grandes clásicos del Glam Rock… no por nada, Johnny Rotten en más de una ocasión lo ha nombrado como el mejor álbum de rock del mundo, digo no olvidemos, que Rotten fue descubierto por Malcom McLaren mientras cantaba “I’m Eighteen” de Alice Cooper… “Killer” poseía la fuerza de de “Love It To Death”, pero con una mayor calidad de producción por parte de Ezrin, además de profundizar en algunos conceptos explorados en el disco anterior. Por ejemplo, canciones como “Dead Babies”, “Halo Of Flies” y “Killer”, mantenían el concepto obscuro-de-terror con sorprendentes resultados (de hecho, notaran que son las canciones más intricadas y progresivas del grupo), balanceándolo con canciones sencillamente rockeras como “Under My Wheels”, “Be My Lover” o “Desperado”, pero de inigualable manufactura pop.

“The telephone is ringing, you got me on the run, I'm driving in my car now anticipating fun, I'm driving right up to you, babe. Guess that you couldn't see, yeah yeah, but you under my wheels, why don't you let me be?”

Alice Cooper – Under My Wheels (Mp3)
Alice Cooper – Be My Lover (Mp3)

Si bien “Killer” fue un éxito a nivel crítico y de ventas, la banda aún se mantenía lejos del Top 10 de Billboard… sobretodo, por la fuerza de sus presentaciones que se habían convertido en auténticos espectáculos de horror, abandonando la jocosa andrógina que había caracterizado al personaje de Furnier hasta el momento y abrazando de lleno una estética terrorífica que lo convertía en un cruel maestro de ceremonias, que gozaba de molestar al público haciéndolo besar y acariciar una Boa Constrictor. No obstante, el éxito multitudinario vendría relativamente pronto con la edición de su siguiente álbum “Schools Out”.

Alice Cooper – School’s Out (Mp3)

El verano de 1972 sería testigo del acenso al número 1 de las listas de Reino Unido y Estados Unidos del sencillo que daría nombre al quinto álbum de Alice Cooper, “Schools Out”… una canción desmadroza que en palabras del propio Cooper “trata de capturar uno de los momentos más mágicos de de la niñez, la esperanza de salir de la escuela y no volver jamás”… “school's out for summer, school's out forever, school's been blown to pieces, no more pencils, no more books, no more teacher's dirty looks”… “School’s Out” significaría un verdadero triunfo comercial para Alice Cooper, no solo por el éxito del sencillo, sino por contener una de las tandas del material más accesible que la banda había compuesto y que las asegurarían tiempo aire en la novel radio F.M. de Estados Unidos, inclusive intrincadas canciones como “Gutter Cats Vs. The Jets”, brillaban por ser tan asequibles. “School’s Out”, desde mi muy particular punto de vista, es el punto final de la época de oro de Alice Cooper como agrupación… no obstante, de que la banda editaría un par de discos más con excelentes resultados y su participación en la “Era Glitter” esta lejos de terminar, es un hecho que muchas cosas habrían de cambiar al caer en la vertiginosa “espiral del éxito”.

Alice Cooper – Luney Tune (Mp3)
Alice Cooper – Gutter Cats Vs. The Jets (Mp3)

En fin, creo que el día de hoy ya me extendido demasiado, así que por el día de hoy me despido… pero no sin antes, agradecerles infinitamente sus comentarios mis estimadísimos amigos (Confa, Edith, Miriam, el Rock Chingón) y adelantarles que el siguiente post será un recuento masivo de lo mejor del año, que se prestará para la controversia, el debate, la litis, la desconfianza, la majadería y el grito pelado, Salu2.

*Reply: Qué transa mi estimado Rock Chingón???, disculpa que conteste de súbito pero vi tu comentario “casi” al finalizar la entrada… solo te puedo decir que the Arkitecht es una banda originaria de Chihuahua con fuertes influencias de Opeth & Porcupine Tree que suena increíble, de hecho hacía mucho que no me sorprendía tanto el nivel de producción de una banda nacional… puede que peque de exagerado y tira-netas, pero me limito a decir que yo me comprometo a invitarles una caguama el día que anden de visita por estos rumbos… por que la verdad que chingón tocan. Checa su maispeis y quedo en espera de tus comentarios.

Glam Rock: Re-Make, Re-Model...RoXXXy Music

“There’s a new sensation, a fabulous creation, a danceable solution… To teenage revolution”

Así es, se trata del primer verso de su increíble sencillo “Do the Strand”, pero también es la definición más exxxacta que exxxiste del grupo más exxxcitante, exxxcelente y exxxageradamente exxxuberante del Glam Rock… RoXXXy Music.

Sin temor a exagerar, Roxy Music es el grupo con mayores pretensiones del Glam Rock británico (tanto musicales, como artísticas y/o experimentales) no por nada, el legendario Lester Bangs definió a esta estrambótica banda como “el triunfo del artificio”… una aseveración que hoy en día podría resultar un tanto cuanto ofensiva, sobretodo vista desde la óptica de la ética punk y su precepto “hazlo por ti mismo”… y sería mucho más ofensiva si no tomáramos en cuenta que la gran mayoría de los grupos de Punk (Sex Pistols, Television, The Damned, Talking Heads, Blondie) y Post Punk (Japan, Devo, Magazine, Depeche Mode, Siouxsie & the Banshees) eran seguidores acérrimos de Bryan Ferry & Co.

Roxy Music encontraría su génesis en las elevadas pretensiones musicales de un joven aspirante a artista llamado Bryan Ferry, quien buscando fama y fortuna abandonaría la provincia de Sunderland para convertirse en alumno de Richard Hamilton, el prominente artista pop británico quien ha sido calificado como el equivalente de Andy Warhol, pero lejos de contentarse con ser un artista plástico, las ambiciones rockeras de Ferry lo llevarían a adicionar ante Robert Fripp & Pete Sinfield de King Crimson, quienes buscaban un reemplazo para Greg Lake… como podrán deducir Fripp & Sinfield, no consideraron que la voz de Ferry fuera apta para “la corte del rey escarlata”, pero ese somero encuentro le ganaría su simpatía y apoyo, para lograr un contrato discográfico para Roxy Music.

Pero no nos adelantemos demasiado… a finales de 1970, mediante un clasificado, el saxofonista y oboísta Andy Mackay se pondría en contacto con Ferry y el bajista Graham Simpson (el bajista original de Roxy Music) a efecto de colaborar en un proyecto de rock experimental… curiosamente, Ferry había impreso el anuncio buscando a un pianista, pero los exuberantes anhelos musicales de Mackay lo convencerían de incluir una línea de viento en su proyecto, así como sumar a la alineación a un tímido joven llamado BRIAN PETER GEORGE ST. JOHN LE BAPTISTE DE LA SALLE ENO o, Brian Eno para los cuates. Eno sería el encargado de alterar el sonido “en vivo” de la banda con un sintetizador VCS3, un par de grabadoras, un Mellotron y una mezcladora portátil… desde su primer encuentro, Ferry se sintió maravillado por la forma de “operar” de Eno (quien admitía en todo momento no tener ningún tipo de instrucción musical) y sería este proceder el que le daría una nota característica al primigenio sonido de Roxy Music. Al poco tiempo después se les unirían Paul Thompson en la batería y el genial Phil Manzanera en la guitarra.

En múltiples ocasiones los miembros de la banda, han expresado que ninguno de ellos tenía nada en común, todos provenían de escenas musicales muy diversas rock & roll, sicodélia, folk, jazz, rock progresivo, avant garde, etc, etc… salvo que todos ellos profesaban una franca devoción por el disco debut de The Velvet Underground, el legendario “The Velvet Underground & Nico”, en palabras del propio Mackay “es el modelo, sobre el cual esta tallado el sonido de Roxy Music”. Con la alineación Ferry-Manzanera-Eno-Mackay-Thompson-Simpson la agrupación grabaría su primer álbum homónimo y junto con él cambiarían todo el espectro musical de la Gran Bretaña.

“Make me a deal and make it straight, all signed and sealed, I’ll take it”

Roxy Music – Virginia Plain (London/Hamburg ‘72)

El álbum debut de Roxy Music, es una apología al Glamour y a la exhuberancia… la traducción musical de todas las ambiciones de un sexteto de chicos de clase trabajadora de la década de los setenta, que van desde convertirse en un hombre sofisticado y de mundo, una especie de Humphrey Bogart como lo describe su canción “2HB” (To Humphrey Bogart), hasta seducir a mujeres hermosas como en “Re-Make/Re-Model” o en “Ladytron"… desde mi punto de vista, es el sonido de escape y transgresión de la generación "post flower power”, una generación cansada de vestirse hippiosamente y que optaría por la brillantina para hacer su marca… digo no por nada, el nombre de la banda (Roxy) es un homenaje a viejos cines y salones de baile de Inglaterra… y qué decir de su mítica portada con la modelo Kari-Ann Muller en pose a la Marilyn Monroe… sabor!!

“She’s the sweetest queen I’ve ever seen (cpl593h), see here she comes, see what I mean? (cpl593h), I could talk talk, talk, talk, talk myself to death, but I believe I would only waste my breath”.

Roxy Music – Re/Make- Re/Model (Mp3)

Roxy Music – Ladytron (Mp3)
Roxy Music – If There is Something (Mp3)

Si bien, el álbum debut fue bien recibido por la naciente generación Glitter. No sería hasta la edición del sencillo “Virginia Plain” que Roxy Music gozaría del éxito multitudinario en la Gran Bretaña, presentándose al poco tiempo en el programa Top of the Pops y atrapando a toda una generación con su estrafalaria imagen. Si bien, “Virginia Plain” no fue grabada en las mismas sesiones que su álbum homónimo, si conserva ese aire de familiaridad con el álbum y prosigue con su temática de anhelos juveniles, llena de referencias a lugares a los que uno desea huir… de hecho, cada vez que escucho esa canción me viene la imagen de Cillian Murphy, ataviado en su personaje de “Kitten” Branden de la película “Breakfast on Pluto”, llegando a Londres con una maleta y todo su devenir irlandés en una mano, así como una sombrilla y todo su porvenir inglés en la otra, magistral.

Roxy Music – Virginia Plain (Mp3)

“Take me on a roller coaster, take me for an airplane ride, take me for a six days wonder but don’t you, don’t you throw my pride aside besides, what’s real and make believe Baby Jane’s in Acapulco we are flying´ down to Rio”.

En poco tiempo, las fastuosas presentaciones de la banda darían mucho que hablar en la naciente escena Glam y del rock en general… los conciertos de Roxy Music brillaban por su exhuberancia tanto musical, como visual, gracias a los estrambóticos vestuarios, maquillajes y peinados con los que salían al escenario… si bien, aun no poseían el poder monetario para armar una gran montaje a nivel visual como Pink Floyd, si podían llegar a palidecer las mejores presentaciones de Arthur Brown, Genesis y el joven David Bowie, quien según cuentan las leyenda sintió gran envidia al ver el concepto de Ferry & Co… hipótesis que se explora en la película “Velvet Goldmine“ y de la cual hablaremos muy pronto.

Roxy Music – Do the Strand (Mp3)
Roxy Music – Beauty Queen (Mp3)

Aprovechando el momentum que vivía el grupo, decidierón entrar al estudio a principios de 1973 para grabar su siguiente opus “For Your Pleasure”, la cual marcaría el inicio de su exitosa colaboración con el productor Chris Thomas y el ingeniero de sonido Bill Price. Si bien “For Your Pleasure”, reproduce de manera similar la exitosa formula de su álbum debut, incluyendo canciones de alto contenido rockero como “Editions of You” o “Do The Strand”, también se sumerge en sorprendentes experimentaciones sonoras como en “The Bogus Man”, “For Your Pleasure” y “Beauty Queen” (esta última, se le puede catalogar de un antecedente directo al shoegaze y el post-rock); asimismo, se le puede calificar como uno de los álbumes más obscuros y sórdidos de la banda, gracias a líricas como la de “In Every Dream Home a Heartache”, una alucinante balada dedicada a una muñeca inflable.

“My plain wrapper baby, your skin is like vinyl, the perfect companion, you float my new pool. De luxe and delightful, Inflatable doll my role is to serve you. Disposable darling can’t throw you away now Immortal and life size”.

Roxy Music – In Every Dream Home a Heartache =Team 9 Mix= (Mp3)

No obstante, la excelente química musical de la banda en el estudio, las tensiones entre Ferry & Eno por la dirección sónica que tomaría la banda irían en aumento, hasta la salida de Eno en 1974, concluyendo así la primera era de la banda… y si piensan que con la salida de Eno se acabó la etapa experimental de la banda, lamento informales que están terriblemente equivocados, pues la saga de Roxy Music en el Glam Rock, aún esta muy lejos de terminar… y no es para menos, Roxy Music es uno de esos grupos que sin mucho esfuerzo le pueden volar la mente a uno, así que aparte de la música que les he dejado a lo largo del post, les adjunto unos lados B y Mixes que espero les agraden mucho.

Roxy Music – The Numberer (Mp3)
Roxy Music – Pyjamarama (Mp3)
Roxy Music – The Pride & The Pain (Mp3

…y qué dijeron, se le olvidó la sección de “Covers Glameros”, nada más lejos de la realidad y solo por que me he tardado mucho con los posts dedicados al Glam, esta vez les voy a dejar unos muy especiales.

Frank Black – Re/Make- Re/Model =Live Roxy Music Cover= (Mp3)

*Una increíble versión “en vivo” del clásico de Roxy Music… por cierto, han visto el capítulo de “Note lo pongas” (What not to wear it!) donde aparece Frank Black ¿?... y gracias a una asesoría de modas por parte Trinny Woodall y Susannah Constantine, Mr. Black conoce a Bryan Ferry, un clásico instantaneo.

Thin Machine – If There is Something =Roxy Music Cover= (Mp3)

**Por increíble que parezca, el Rey Camaleón interpreta este clásico de Roxy Music.

Siouxsie & the Banshees – Sea Breezes =Roxy Music Cover= (Mp3)
Mudhoney – Editions of You =Roxy Music Cover= (Mp3)

“My breath is inside you, I’ll dress you up daily and keep you till death sighs, Inflatable doll, l over ungrateful… I blew up your body, but you blew my mind”.

Venus in Furs – 2HB =Roxy Music Cover= (Mp3)

***Este cover trae una dedicatoria especial mis estimados amigos Miriam, Confa y Edith a quienes les agradezco en sobremanera sus comentarios… les confirmo, este abogangster estará presente en los conciertos de Radiohead y para ir calentando motores glameros, les dejo un excelentísimo cover de Roxy Music en voz de Thom Yorke, pues saben quienes son Venus in Furs???... Thom Yorke y Jonny Greenwood de Radiohead, David Gray, Bernard Butler de Suede y Andy Mackay de los mismísimos Roxy Music, enjoy!!!.

...

Bueno, ya con esta me despido y esperen el siguiente post glamerón, salu2 y… Ups!!!, casi lo olvido… a mi buen amigo “Mofeta”, le recomiendo que se de una vuelta por este blog durante la semana, que es un hecho que tengo “Sad Song” de Oasis en su versión acústica y me dará mucho tenerla “posteada” por aquí.

Glam Rock “Guerreros Eléctricos”

Saben, creo que más que su extravagancia y su carácter andróginamente transgresor, el gran sello distintivo del Glam Rock británico en su primera etapa… sin contar a los alucinantes Roxy Music, claro… fue la “electrificación del folk-psicodélico”.

¿De qué demonios estoy hablando?????

En los posts anteriores hemos hablados de los orígenes inminentemente folk de David Bowie y Marc Bolan, así como su gradual transformación en autenticas luminarias del movimiento Glitter… pero creo que su metamorfosis más radical no consiste en maquillarse o utilizar plataformas, radica en la trasgresión que inició Bob Dylan años antes, al tocar guitarra eléctrica en el festival folk… en tocar más alto, chingada madre!.

Ya hemos revisado (someramente) la indómita sociedad entre Bowie y el poderosísimo Mick Ronson, quien con sus atronadores riffs cambiaría radicalmente el convencional sonido “Moody Bluesesco” de las primeras composiciones del primero, digo tan solo es necesario checar sus dos primeros álbumes con Bowie. El seminal “The Man Who Sold The World”, que tal vez sea el disco más pesado de Bowie, en lo que a guitarras se refiere, gracias al trabajo de Ronson, pero no obstante sus coqueteo con los mejores riffs hard rockeros de la época, las composiciones de Bowie, tenían ese innegable sabor “Psycho-Folk”, y qué mejor ejemplo que la canción que le da título al álbum o la genial “Black Country Road”, en la que Ronson hace gala de sus más estrambóticos riffs, haciéndola sonar como un track perdido de Led Zeppelin.

David Bowie – The Man Who Sold The World (Mp3)
David Bowie – Black Country Road (Mp3)

Para Hunky Dory (el primer álbum netamente Glam de David Bowie, en mi opinión) se puede apreciar un verdadero balance entre rock psicodélico y rock pesado, lo cual seguramente dio más espacio al rey camaleón, para experimentar con una más amplia gama de melodías pop, llegando a crear composiciones tan interesantes, que parecen haber salido de la mente de Johnn Lennon, Paul MacCartney, Brian Wilson, Gene Clark o David Crosby.

David Bowie – Changes (Mp3)
David Bowie – Life On Mars (Mp3)

No obstante, los meritos de conciliatorios de Bowie, para lograr un balance perfecto entre Psycho-Folk y Hard Rock… el reconocimiento por entregar el primer gran álbum de la escena Glam Rock británica, pertenece a T.Rex con su legendario e inmejorable “Electric Warrior”. Pero antes de comentar de tan mítico álbum, es conveniente revisar un factor detonante que llevaría a Marc Bolan y a su primigenio Tyrannosaurus Rex a electrificarse.

Por “curioso” que parezca, el camino de Bowie & Bolan se encuentra íntimamente ligado, gracias a su colaboración con el productor Tony Visconti… en 1968 Visconti se desempeñaba como novel productor y casa talentos para el pequeño sello inglés llamado “Essex Music”, cuando su jefe Denny Cordell le encomendó la nada sencilla tarea de encontrar, al grupo que reemplazaría a The Beatles como la banda más popular del planeta, eventualmente su cruzada lo llevaría un pequeño club londinense, donde se encontraría parado entre una multitud de hippies, que hipnotizados escuchaban a un par de lastimosas figuras que parecían sacadas de una obra de Tolkien, quienes entonaban líricas como “vengo de un tiempo donde quemar los árboles era un crimen y la gente justa llevaba estrellas entre el cabello”, definitivamente no suena a nada digno de reemplazar a The Beatles, pero Visconti vio algo en el diminuto joven hippy de rizada caballera negra que respondía al nombre de Marc Bolan. Visconti se encargaría de conseguirle un mejor contrato discográfico y representación por parte Essex Music, asimismo, sería el principal impulsor de la electrificación de su sonido al convertirse en el productor de cabecera de la banda.

Si bien, los primeros esfuerzos discográficos de Tyrannosaurus Rex con Visconti en la producción, “Prophets, Seers & Sages - The Angels of The Ages”, “Unicorn” & “A BeardOf Stars”, mantuvieron su sonido inminentemente folk, Marc Bolan no tardaría en empezar a componer excelentes piezas pop con guitarra eléctrica en mano, canciones como “Ride A White Swan” evidenciarían la progresión eléctrica de su música, pero sería hasta la edición de su exitoso sencillo “Hot Love”, en que se pondría apreciar la definitiva electrificación del sonido de Bolan & Co.

T.Rex – Hot Love


Tyrannosaurus Rex - Ride A White Swan (Mp3)
T.Rex – Hot Love (Mp3)

Para 1970 la banda (por no decir Marc Bolan) consideraba que su imagen y estética habían cambiado radicalmente, por lo que decidieron cambiar su nombre de Tyrannosaurus Rex a simplemente T.Rex… bajo este nombre editarían su primer álbum homónimo, el cual pasaría sin pena ni gloria en los charts británicos… pero ese primer intento habría de anunciar la “magna opus” de T.Rex, “Electric Warrior”, un álbum que desde su sencilla portada anunciaba que este disco, encarnaba el más eléctrico espíritu rockero.

“Mambo Sun”, “Jeepster”, “(Bang a Gong) Get It On” y “Rip Off”, rebosan de esencia glamera gracias a la forma tan poco agraciada de tocar de Bolan, ya que si bien fue un excelente y prolífico músico, jamás destacó por su técnica como guitarrista… en otras palabras, Bolan estaba lejos de ser Jimmy Page, Jeff Beck o Ritchie Blackmore… pero su estilo tan poco convencional y desgarbado influiría a más de tres generaciones de rockeros

T.Rex – Jeepster


T.Rex – Jeepster (Mp3)
T.Rex – (Bang a Gong) Get It On (Mp3)
T.Rex – Rip Off (Mp3)

No obstante, el folk psicodelico seguiría siendo parte fundamental del sonido de T.Rex y que mejor ejemplo que la bellísima Cosmic Dancer, la cual bien podría ser una composición digna de los Beatles, durante la época del Sgt. Pepper… fUuuttss!, una súper canción que para su beneplácito le dejo en su versión original y acústica.

T.Rex – Cosmic Dancer (Mp3)
T.Rex – Cosmic Dancer =Acoustic Demo Version= (Mp3)

Definitivamente, “Electric Warrior” es un álbum fundamental en toda colección discográfica y su impacto en la historia del rock es incuestionable… por eso me encantaría dejarles unos covers (saben, que soy un junkie de los covers) que demuestran lo influyente que es este disco.

Morrissey – Cosmic Dancer =Live T.Rex Cover= (Mp3)
Ministry – (Bang a Gong) Get It On (Mp3)
Dresden Dolls – Cosmic Dancer =Acoustic T.Rex Cover= (Video)

Vaya… nuevamente me la prolongue, pero digo, después de la tardanza debía de publicar un post bastante largo, pero les puedo asegurar que el próximo post dedicado al Glam Rock no tardará mucho, pues será dedicado a mis amadísimos Roxy Music y he de confesarles que “se me queman las habas” por tirarles varias netas respecto de Bryan Ferry & Co.

ViVa RoXy MuSiC!!!!

Ups!, lo olvidaba…

Mil gracias por sus comentarios mis estimados amigos, sus sugerencias ya están anotadas en el “buzón de amigos del abogadete” y prometo hacer más comentarios al respecto, solo me gustaría decirle al estimado Confa que efectivamente creo que el cover Jim O’ Rourke de “Venus in Furs” es uno de los mejores del “The Velvet Underground & Nico Revisited”, sin embargo, creo que el cover de Billy Idol no es tan malo… de hecho, he de confesar que Billy Idol es un gusto culpable que tengo… pero debo de decirles que si tengo alguna intención al incluir tantos covers en esta serie de post dedicados al Glam Rock, es ilustrar la fuerte influencia que ha ejercido en el Rock y el Pop, sin importar el ostracismo de un género en particular, por ejemplo mucha gente puede culpar a Roxy Music por ser los padres de todo el New Romantic (Spandau Ballet, Oingo Bongo), pero tampoco evitó que Thom Yorke, Jonny Greenwood, David Gray y Bernard Butler se juntaran con Andy Mackay para tratar de jugar a ser sus ídolos de la infancia.

…en fin, esperen más Glitter Rock.

Re-Make/Re-Model… Re-Posted

…y bueno, mientras afino algunos detalles del próximo post dedicado al Glam Rock, aprovecho algo de mi tiempo para aparentar que este blog no es completamente inútil y cumplir algunos compromisos con ustedes, mis muy estimados e improbables lectores (en especial, con mi buen amigo el Confa) “re-posteando” un tributo al mítico álbum debut de The Velvet Underground, el cual fue inspirado por el buen compañero Mocking Music y el cual fue posteado en este espacio en septiembre del año pasado, en una brevísima revisión a la prominente carrera del “cuarteto aterciopelado” y que pueden checar por “acá”, así que sin más preámbulo…

The Velvet Underground & Nico Revisited

1.Belle & Sebastian – Sunday Morning =Live= (Mp3)
2.David Bowie & Lou Reed - I'm Waiting for the Man =Live= (Mp3)
3.R.E.M. - Femme Fatale (Mp3)
4.Jim O’Rourke - Venus in Furs (Mp3)
5.Echo & The Bunnymen - Run, Run, Run =Live= (Mp3)
6.Iron & Wine with Calexico - All Tomorrow's Parties =Live= (Mp3)
7.Billy Idol - Heroin (Mp3)
8.R.E.M. - There She Goes Again (Mp3)
9.Swarm's Arm - I'll be Your Mirror (Mp3)
10.Smile Kick - The Black Angel's Death Song (Mp3)
11.The Olivia Tremor Control - European Son (Mp3)

Y aprovechando que andamos por aquí, me encantaría agradecerles la buena recepción que tuvo el post dedicado a los Mighty Hellacopters (Tragic Acid, Confa & Nostromo), que espero de todo corazón haya sido de su agrado y, comentarles que los guitarristas de Hellacopters, Nicke Andersson & Mattias Hellberg, han unido esfuerzos con la Leyenda del “soul” de Detroit, Scott Morgan para dar una “Solución” definitiva a la falta de alma en la escena rockera.

The Solution – You Gotta Come Down


The Solution – You Gotta Come Down (Mp3)

Utsss… se siente totalmente bien, el sonido perfecto para un domingo por la mañana… mi alma de plástico lo agradece infinitamente.

The Solution – Funky Fever (Mp3)
The Solution – You Never Liked Me Somehow (Mp3)
The Solution – My Mojo Ain't Workin' No More (Video)

Glam Rock: “Ch-Ch-Ch-Changes: David Bowie 1970-1972”

El amanecer de la década de los 70, marcó el inicio del periodo Glam de David Bowie, quien para esa época ya se había dotado de una nueva piel, un nuevo nombre y había empezado a coquetear con el éxito, gracias a su prematuro hit radiofónico “Space Oddity”, pero su camino hacia el estrellato estaba lejos de concluir y pronto comprendería que no lo alcanzaría, de no aliarse con algunos personajes que le ayudasen en su cruzada cósmica.

Efectivamente, mis estimados e improbables lectores, esta vez en lugar de hacer una semblanza que verse directamente sobre las hazañas y las cuitas del "Rey Camaleón", me atreveré a hablar de cuatro personajes trascendentales en la carrera de David Bowie e imprescindibles en su etapa Glam, que para efectos de este magro post, abarcará los cimientos de dicho periodo y que tiene como producto dos excelentes álbumes “The Man Who Sold The World” y “Hunky Dory”.

Angela Bowie: actriz, modelo, especialista en moda, escritora, groupie, novia, amante, confidente, cuasi-manejadora y primera esposa de Bowie… en pocas palabras su “domadora”… en la norteamericana Mary Angela Barnett, el "Rey Camaleón" encontraría a su principal aliada en la cruzada cósmica que emprendió, una mujer cosmopolita que había vivido en los E.U.A., Suiza e Inglaterra y que a sus tiernos 19 años se le podría calificar de una mujer de mundo, ambos se conocieron “mientras se tiraban al mismo fulano”. Angela vio en la feminoide apariencia de Bowie a un “Dios Áureo”, al epítome de las estrellas de Rock y sería ella quien lo persuadiera de abrazar totalmente su andrógina y bisexualidad... voluntaria e involuntariamente se convertiría en una de las arquitectas de la estética Glam, ya que su percepción transgresora de la moda, le permitió a Bowie estar un paso delante de cualquier otro cantante de la época, ya fuera vestido de mujer (The Man Who Sold The World), utilizando ajustados trajes en una sola pieza que harían sonrojar a Freddy Mercury o ataviado de exóticos vestuarios extraterrestres.

Tony Defries: o el hombre que vendió a Bowie al Mundo (The Man who sold Bowie to the world), Defries entró a la vida del “Rey Camaleón” con la promesa de hacerlo una estrella en menos de dos años y lo lograría con una estrategia poco convencional, pues mercadeaba al cantante como una “Súper estrella” –aún antes de llegar a serlo- proveyéndole de toda clase de lujosas fastuosidades (limusinas, lujosos hoteles, guardaespaldas, etc.) inclusive se encargaría de manufacturarle un séquito de seguidores, que serviría de modelo para toda la generación de Glitter Kids de los años 70. Defries lograría su cometido no solo haciendo famoso a Bowie, sino también asegurándole un ventajoso contrato con RCA, que le garantizaba libertad creativa en cada una de sus producciones.

Tony Visconti: bajista, músico multiinstrumentista, arreglista, productor y probablemente el colaborador más duradero de Bowie, pues produjo todos los discos del cantante durante la década de los setenta… para muchos este músico de Jazz, oriundo de Brooklyn, Nueva York es uno de los responsables del sonido del Glam Rock, ya que fue el productor de cabecera de Bowie & Marc Bolan… independientemente, de que lo sea o no, Visconti logró encontrar el punto medio entre el Hard Rock setentero que imperaba durante la época (Black Sabbath, Led Zeppelin, Procol Harum), el tradicional sonido Pop británico (The Kinks, The Beatles), el Folk Psicodélico (Moody Blues, Syd Barret) y el complicado Rock Psicodélico de los setenta (Cream, Pink Floyd)… para comprender esta mezcolanza es imperativo que escuchen “The Man Who Sold The World” (con un sonido que raya en el Hard Rock) y “Hunky Dory” (la perfecta combinación entre Hard-Rock & Folk)… ¿quién dijo Art Rock?.

Mick “Ronno” Ronson: este personaje sólo puede ser descrito como EL GUITARRISTA de David Bowie, en palabras del propio cantante “mi propio Jeff Beck”… a decir verdad, creo que este increíble músico debería de tener su propio post, principalmente, por su prominencia en el movimiento Glam, pero no les mentiré, no tengo mucho material solista de “Ronno”, por lo que me veré obligado a filtrar su participación en otros posts… el sonido de la guitarra de Ronson es distintivo en la etapa Glam de Bowie, sus composiciones combinaban atronadores y poderosos “riffs” con fascinantes melodías pop, ejemplos hay muchos en la discografía de Bowie: Queen Bitch, Suffragete City, Five Years, The Man Who Sold The World, Jean Genie, Ziggy Stardust, etc. No por nada es uno de los guitarristas más influyentes de la historia, ya sea por sus colaboraciones con Bowie, Mott The Hopple, Lou Reed o Ian Hunter, por su trabajo como productor de discos (han leído los créditos de “Your Arsenal” de Morrissey ¿?) o por la impronta que dejó en músicos tan disímiles como Randy Rhoads y/o Kurt Cobain.

Tal vez, la única manera de hacer justicia a este extraordinario guitarrista es contando una anécdota que a el mismo, le gustaba contar acerca de su relación creativa con “Rey Camaleón” y que podrán encontrar en la biografía no autorizada de Ronson llamada “Ronno, the Champion of Hull”.

“David era el jefe, las cosas debían ser y sonar, tal y como el las pensaba, no de otra manera. Creo que en un principio, yo mismo no me consideraba parte de su banda, siempre tenía la impresión de que me mandaría de regreso a casa, la única manera de permanecer junto a él era transportar tu pensamiento a un millón de años de distancia e imaginar que carajos pensaba en ese momento.

Creo que fue con Queen Bitch, la primera vez en la que me sentí realmente indispensable, esa canción era muy Velvet Underground, muy Lou Reed, nació como casi todas las canciones de David, en una guitarra acústica, pero cuando el me pidió que pensara un arreglo solo pude pensar en The Stooges, pues me había obsesionado con ellos, escribí mi arreglo, lo grabé y fui a casa. Un par de días después, Tony (Visconti) y David revisaban algunas de las grabaciones que la banda había hecho y David no paraba de impacientarse, los arreglos le parecían mediocres y nos miraba como solo el sabe hacerlo cuando esta molesto, pero cuando escuchó Queen Bitch se puso realmente serio, llamó a la banda, quería que la empezáramos a tocar, seguí el arreglo original y de inmediato detuvo la canción, me miró y dijo “con tu arreglo”, me hizo encabronar y la toque muy fuerte, quería romper todas las cuerdas de la guitarra, cuando terminamos, no paraba de sonreír, diciendo suena más cabrón que The Stooges”.

David Bowie – Queen Bitch


…como verán, no por nada Mick Ronson fue el colaborador mas cercano a Bowie durantes esa época.

Pero después de toda esta verborrea, creo que una manera justa de compensar su paciencia es posteando unas súperarchirrequetecontra exclusividades glameras, por lo que, el día de hoy les dejo, no una sino dos sesiones para la BBC del genial David Bowie

La primera es un “Peel Session” grabado el 5 de junio de 1971, con la alineación clásica de The Spiders From Mars, Mick Ronson (guitarra), Trevor Bolder (bajo), Mick Woodmansey (batería) y David Bowie (voz, guitarra y piano), por si fuera poco en esta sesión participan diversos cantantes de la escena folk de la época (George Underwood, Dana Gillespie), además de interpretar versiones muy distintas a las que conocemos hoy en día de clásicos como Andy Warhol, Queen Bitch y It Ain’t Easy (un clásico del Rise And Fall Of Ziggy Stardust).

David Bowie – Peel Session 05/07/1971

1.David Bowie – Queen Bitch =Peel Session 05/07/1971= (Mp3)
2.David Bowie – Bombers =Peel Session 05/07/1971= (Mp3)
3.David Bowie – The Supermen =Peel Session 05/07/1971= (Mp3)
4.David Bowie – Looking For A Friend =Peel Session 05/07/1971= (Mp3)
5.David Bowie – Almost Grown =Geoffrey Alexander on Vocals/Peel Session 05/07/1971= (Mp3)
6.David Bowie – Kook =Peel Session 05/07/1971= (Mp3)
7.David Bowie – Song For Bob Dylan =George underwood on Vocals/Peel Session 05/07/1971= (Mp3)
8.David Bowie – Andy Warhol =Dana Gillespie on vocals/Peel Session 05/07/1971= (Mp3)
9.David Bowie – It Ain’t Easy =Peel Session 05/07/1971= (Mp3)

…P-p-p-p!!, lo se, lo se, les dije dos sesiones y aquí esta el Show completo de Bob Harris para la BBC, de fecha de 21 de septiembre del mismo año, donde verán a una “arañas de Marte” tocando con un estilo muy diferente, demostrando a un grupo mucho más afilado y compacto… enjoy.

David Bowie – Bob Harris Show 21/09/1971

1.David Bowie – The Supermen =Bob Harris Show 21/09/1971= (Mp3)
2.David Bowie – Oh! You Pretty Things/Eight Line Poem =Bob Harris Show 21/09/1971= (Mp3)
3.David Bowie – Kooks =Bob Harris Show 21/09/1971= (Mp3)
4.David Bowie – Fill Your Heart =Bob Harris Show 21/09/1971= (Mp3)
5.David Bowie – Amsterdam =Bob Harris Show 21/09/1971= (Mp3)
6.David Bowie – Andy Warhol =Bob Harris Show 21/09/1971= (Mp3)

Glam Rock -Million Dollar Babies, la improbable historia de Alice Cooper-

Vaya… me ha sido difícil retomar los posts dedicados al Glam Rock, pues independientemente, de que tenga mucho o poco trabajo, retomar el hilo de la “bloggeada” tiene su chiste, pero una vez embalado “que no me detengan” y bueno, después de mucho parlotear acerca de los orígenes de tan estrafalario movimiento, creo que por fin podremos entrar en materia. SIN EMBARGO (¡!!!)… creo oportuno que hoy platiquemos, acerca de los inicios de uno de los personajes míticos de la escena Glam… lo se, lo se, había dicho que ya habíamos agotado la “aburrida” parte de antecedentes, y efectivamente, los hemos agotado… pues considero (bajo un criterio estrictamente personal) que el personaje del que platicaremos el día de hoy, proviene de una estirpe completamente distinta a la de David Bowie, Marc Bolan, Lou Reed o Iggy Pop… tampoco quiero decir que no guarde, muchísimas similitudes con las deidades Glitter antes mencionadas, pero definitivamente Alice Cooper “se cuece aparte”.

Sobretodo que al hablar de “Alice Cooper” en la era Glam, debemos de precisar que estamos hablando de dos entidades distintas… consustanciales, pero diferentes a la vez:

Alice Cooper = El grupo clásico de Glam Rock de la década de los 70, integrado por Glen Buxton (guitarra líder), Michael Bruce (guitarra rítmica), Dennis Dunaway (bajo), Neal Smith (batería) y efectivamente Alice Cooper (voz).

Y…

Alice Cooper = Vincent Damon Fournier, vocalista de The Spiders, The Nazz y obviamente de Alice Cooper, quien cambió legalmente su nombre en 1974, para conservar el nombre de una bruja del siglo XVII, que “supuestamente” había reencarnado en Fournier, y que le daría fama envuelta en un halo de brillantina como vocalista del mítico grupo homónimo.

¿Complicado?... no tanto, finalmente estamos hablando de “Alice Cooper”… pero, por qué me atrevo a aseverar que Alice Cooper proviene de una extirpe distinta a la de sus homólogos Glam; por el hecho de que Vincent Damon Fournier, como individuo posee uno de los orígenes menos sórdidos que hay en los anales de la Historia del Rock, y no obstante, ha logrado dotarse de una parafernalia a su alrededor que el solo mencionar su nombre es sinónimo de terror y rock & roll.

Fournier, nació en el seno de una familia “rigurosamente” cristiana, hace poco menos de medio siglo, en la ciudad motorizada de Detroit, Michigan… su propia fragilidad física obligó a su familia a emigrar a Phoenix, Arizona, donde vivió una infancia feliz, llena de comics, juguetes, programas de radio, matinés de cine llenas de seriales de ciencia ficción y películas de horror, que no harían otra cosa que “freírle el cerebro” y atiborrar su imaginación de mórbidas visiones… curiosamente, su carrera “Glamera” y musical sería determinada a temprana edad al ingresar a un concurso local de talentos, donde junto con algunos de sus amigos se encargaría de aparecer disfrazado e imitando a The Beatles en su legendaria actuación en el show de Ed Sullivan… habrá sido la emoción de estar en un escenario, habrá sido libertad que sintió al disfrazarse o el frenesís provocado por la música, pero a partir de ese momento Fournier había decidido que su sustento sería la música y su tarjeta de presentación sería una “mascarada”.

The Spiders - Hitch Hike (Mp3)

En poco tiempo Fournier y sus amigos… entre los que se contaban los futuros miembros de “Alice Cooper”: Glen Buxton, Michael Bruce y Dennis Dunaway… aprendieron a tocar instrumento musicales de verdad y paso seguido se dieron a la tarea de crear su primera banda en forma “The Spiders”, agrupación que se caracterizó por una fuerte influencia británica en su sonido, las reminiscencias a The Who, Rolling Stones, The Beatles, Pink Floyd y en especial The Kinks fueron una constante en sus composiciones.

The Spiders - Don't Blow Your Mind (Mp3)
The Spiders - Why Don't You Love Me (Mp3)

Para finales de la década de los sesenta The Spiders, se había hecho de un nombre en el circuito de clubes de Arizona, donde se distinguían por la fuerza escénica de sus presentaciones, en las que Fournier aparecía maquillado, ataviado con un Bombin negro y frente de una enorme telaraña que servía de escenografía para el grupo; aunado a esto, el grupo editó casi una decena de sencillos que empezaban a revelar una excelente manufactura musical, que los empezaría a proyectar fuera del circuito de bares de Arizona. El modesto éxito de sencillos como “Why You Don’t Love Me?” y “Don’t Blow Your Mind”, les ganaría la atención del publico Angelino, que aun se recuperaba de la resaca psicodélica de los años sesenta, durante sus constanets viajes a la costa oeste, la banda decidió cambiar su nombre a “The Nazz” y adoptar un sonido más emparentado con la onda Hippie de finales de la época (por no decir Psicodélico). Sin embargo, estos cambios no fueron del todo benéficos para la agrupación, el nombre “The Nazz” pertenecía a uno de los grupos de apoyo del legendario cantante Todd Rundgren y la adopción de una estética “Peace & Love” tampoco fue del agrado de Fournier.

The Nazz - Lay Down And Die, Goodbye (Mp3)

El cantante estaba decidido a dotar de un “ardid” a la banda, mediante el cual pudiese dejar una huella indeleble en la mente del público… el primer paso sería dotar a la agrupación de un nombre insoslayable, “Alice Cooper” sería el apelativo que los inmortalizaría, el espurio nombre de una “bruja” del siglo XVII, que los contactara mediante una sesión de tabla güija (ouija). El segundo paso en su ardid, sería el adoptar una estética totalmente transgresora… Fournier, aún antes que Bowie, adoptaría una imagen completamente andrógina, a través de la cual borraría cualquier vestigio del inocente niño de fuertes creencia “cristinas”, para convertirse en un extravagante “Drag Queen” rocanrrolero.

Alice Cooper – Levity Ball =Original Studio Versión= (Mp3)

Si bien, el “truco” sonaba infalible, es un hecho que no fue muy bien recibido por la “conservadora” audiencia rockera californiana… la cual estaba habituada a las “rudas” barbas de Jerry García & Co… en palabras de su entonces manager Shep Gordon “Los Angeles con todos sus ires y venires, aún no estaba lista para Alice Cooper, solo una estrambótica personalidad como la de Frank Zappa podría comprender lo que la banda intentaba hacer”… y así fue, Zappa los firmó para su sello “Straight Records”, en donde grabarían un par de álbumes que servirían de preámbulo a un “cabaret-mágico-terrorífico-musical”…

Alice Cooper - Reflected (Mp3)
Alice Cooper - Mr. And Misdemeanor (Mp3)
Alice Cooper - Refrigerator Heaven (Mp3)

“Step Right Up!!!... Please, don’t be afraid, yet!”

Woa!!!... me extendí bastante, pero la saga de Alice Cooper bien vale pena, finalmente estamos a punto de entrar en materia, en el próximo post retomaremos al personaje más representativo del Glam… ¿no me digan, que no saben a quién me refiero?.

“La Noche Buena se viene, la Noche Buena se va y mañana les pongo algunas canciones más...”

Muy Feliz Navidad (o mejor dicho Víspera de Navidad) mis estimados e improbables lectores… saben, creo que no hay época del año más ridículamente “Glitter” que la Navidad, lucecitas de colores por doquier, brillantinas, lentejuelas, colores chillantes y un sin fin de “pendejuelitas”, que no dejan de dilatarnos la pupilas de los ojos cada año, por esa razón… y lógicamente por la falta de actualización de los “posts” del Glam Rock… he decidido “desearles” la Navidad más Glitter de todas!!!.

The Fathers Of Glam:
The Sonics – I Don’t Relieve In Christmas (Mp3)
The Kinks – Father Christmas (Mp3)

De antemano, se que algunas de las siguientes canciones que van a escuchar son algunas de las obras más Kitsch que existen en el rock (sobretodo la versión de Bowie & Crosby), pero digo, qué villancico a ritmo de rock no lo es ¿??:

Glam Christmas:

David Bowie & Bing Crosby – Little Drummer Boy (Mp3)
Gary Glitter – Another Rock & Roll Christmas (Mp3)
T-Rex – Christmas Bop (Mp3)
Slade – Merry Xmas Everybody (Mp3)
Wizzard – Rock & Roll Winter (Mp3)
The Darkness – Christmas Time (Mp3)

…y debo de confesarles, que considero a “Merry Xmas Everybody” de los frenéticos y vulgares Slade, como una de las canciones más “cool” de Navidad, gracias a Dios que no soy el único…

Slade – Merry Xmas Everybody


R.E.M. - Merry Xmas Everybody =Slade Cover= (Mp3)
Noel Gallagher- Merry Xmas Everybody =Slade Cover/BBC Session= (Mp3)

…mis mejores deseos para esta noche y esperen un regalo “muy culpable” debajo de todas computadoras la mañana de Navidad.

“Does your Granny always tell you, That the old songs are the best,Then she’s up and rock ‘n’ rollin’ with the rest...”

SKOL!!!!

Vaya, creo que finalmente hemos acabado con el apartado de “antecedentes” de esta serie posts dedicados al Glam Rock, y digo creo, porque antes de continuar, debemos hacer una serie de consideraciones acerca de la “fastuosa estética” de esta escena.

1.El Glam Rock surge en una época álgida de la revolución sexual… en 1969, junto a otros movimientos de lucha por libertades civiles, se dieron los “Stonewall Riots” en la ciudad de Nueva York, que sería un suceso precursor en la lucha por los derechos gay y de diversidad sexual.

2.La exhuberancia y exotismo del Glam, no sólo deriva de personajes travestidos como Vaginal Davis y Divine… contrariamente a lo que uno pudiera pensar, deviene de una corriente mucho más compleja de lo que uno pudiera imaginar, el exceso que caracteriza a este movimiento, tiene su estirpe en el neo-dandismo prodigado por artistas abiertamente homosexuales como Andy Warhol o Truman Capote, quienes a su vez fueron influenciados por el "dandy”, el inigualable Oscar Fingal O'Flahertie Wills Wilde.

3. Oscar Wilde, es el “Alfa-Omega” del dandismo inglés, y su amor por el refinamiento, así como por el exceso, influiría a toda una generación “Glitter Kids”… nuevamente, esta premisa es explotada de manera genial, por Todd Haynes en su película Velvet Goldmine, imposible perdérsela…

“All bad poetry springs from genuine feeling. To be natural is to be obvious, and to be obvious is to be inartistic”.

4.El Glam Rock impactó todos los paradigmas estéticos del mundo occidental y contrariamente a lo que podría pensarse, el mundo de la moda no influyó al Glam… fue al revés, la estética de la “Glitter Era” fijó un nuevo parámetro para la moda, en la que se adoptaría abiertamente la androgínia como bandera. Las pasarelas pasarían de exhibir prototipos de “amas de casa liberadas” a la Jackie Kennedy, a seres temiblemente andróginos como Grace Jones.

Das Model (Pre-Glam)


Umta!!!... antes del Glam, las pasarelas se veían como se escucha Kraftwerk, frías y minimalistas… y ver que adoro a Kraftwerk… hoy en día, gracias al Glam contamos con la calidez de cerillos andantes como Kate Moss o Naomi Campbell.

Spitting Image – The Supermodels


5.La androgínia como forma de expresión es sumamente antigua (ojo, no me refiero al estado fisiológico) … el ejemplo más claro, se encuentra en el antiguo Teatro Kabuki japonés, que data del siglo XV y en el cual (originalmente) las mujeres interpretaban personajes femeninos y masculinos por igual, hasta la prohibición de las actuaciones femeninas a mediados de ese siglo, posteriormente, los hombres asumirían la interpretación de ambos roles (♀ y ♂ ). Bowie y Kiss citarían al teatro Kabuki, como una influencia importante en sus presentaciones.

3.Sin embargo, creo que la teatralidad de las presentaciones de Kiss, así como de su maquillaje, tiene su origen más directo en las presentaciones de Arthur Brown, un cantante psicodélico de los años 60, cuyas explosivas presentaciones seguramente fueron de vital importancia para actos como el de Kiss y Alice Cooper…

Arthur Brown – Fire


…e inclusive el de Genesis o el de Marillion (¡!!!), ni hablar de su maquillaje o “corpose paint”, Arthur Brown es el abuelito de King Diamond e Inmortal, tss!.

6.Finalmente, solo resta señalar unos cuantos puntos de “trivia” en los que procuraré profundizar más tarde.

-La imagen andrógina de David Bowie, fue orquestada por su primera esposa Mary Angela Barnett (A.K.A Angela Bowie)… ambos se conocieron mientras se “tiraban al mismo fulano”, el productor musical Calvin Mark Lee… sin importar, las altas y bajas de su relación, ella fue la que empujo a Bowie a adentrarse aún más en su imagen andrógina, ya que “una vez en el escenario, no había tipo más sexy que David, era un dios sexual”.

-Marc Bolan en algún momento de su vida intento hacer carrera como modelo, bajo el seudónimo “John Temple Boy”.

-Bryan Ferry de Roxy Music es un obseso de la moda, tanto que ha sido la imagen de compañías como “Marks and Spencer” y “Burberry” (…believe it or not!), además, apreció en la edición británica de “No te lo pongas”, donde es descrito por Trinny & Susan como todo un caballero inglés. Por si fuera poco, esta obsesión lo llevó a tener relaciones sentimentales (pobre cabrón!!!) con casi todas las modelos que adornan las portadas de la discografía de Roxy Music (Amanda Lear, Marilyn Cole & Jerry Hall).

-La autoría del infame “Mullet” o mejor conocido en México como “corte de Buki o de camionero”, la pelean (entre muchas otras cosas) David Bowie & Roxy Music… Bowie argumenta, que se le ocurrió a su estilista cuando le pidió que diseñara un corte de pelo futurista, para su personaje alienígena Ziggy Stardust, quedando el cabello corto de adelante y largo de atrás… sin embargo, me atrevo a decir que dicho honor le pertenece a Brian Eno de Roxy Music, ya que su creciente calvicie, lo obligó a traer el cabello corto de adelante y largo de atrás.

Fiiiuuu!!!... para variar me la prolongue, pero a estas alturas del partido eso no les debe parecer raro, así que esperen mucho más Glam Rock!.